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Sie kreist und kreist und kreist, als hätte sie das ewige Leben: Maria Stuarda. Wer hätte gedacht, dass sich dieses Konzept so punktgenau entfaltet, als wäre Ulrich Rasches Markenzeichen der Drehbühnen das einzig Wahre für Donizettis frühromatische Belcanto Oper. Rasche eröffnet mit den beiden gegeneinander rotierenden Drehscheiben einen magischen Raum für die beiden Königinnen: Elisabeth und Maria. Jede in ihrem eigenen Kosmos unterwegs, gleichsam auf ihrer eigenen Zeitlinie, und so kommen die Rivalinnen, auch bildhaft, auf der Bühne nicht zusammen.

Alle Darsteller bewegen sich ständig, die Starbesetzung und die Männergruppe der Salzburger Tanzakademie SEAD. Kate Lindsey gibt ihrer Elisabeth einen energischen, machvollen Schritt und gewinnt damit ein weiteres Ausdrucksmittel für die Mezzosopran-Partie. Lindsey nimmt uns ein mit der klanglichen Tiefe ihrer variantenreichen Stimme und verkörpert Elisabeth souverän und gleichzeitig menschlich. Mit dieser klaren Setzung gelingt Kate Lindsey ein großer Wurf.

Lisette Oropesa legt ihre Maria verspielt an, fast ein wenig tänzelnd. Unangestrengt und leicht glückt Oropesa ein lyrischer und gefühlvoller Ausdruck, der Elisabeths Gegenentwurf einer freien selbstgestimmten Frau in Pastellfarben auf die Bühne haucht. Dass Maria und Elisabeth Schwestern im Geiste sein könnten, nimmt man beiden Sängerinnen ab. Sie ergänzen sich kongenial, stimmlich, wie darstellerisch.

Leicester, Roberto, spielt eine Schlüsselrolle in Donizettis Maria Stuarda: Er ist Liebhaber beider Königinnen – Maria liebt ihn, Elisabeth will ihn. Nun ist Bekhzod Davronov ein trefflicher Tenor, der die Partie des Grafen Leicester fabelhaft sing; nur leider fehlt ihm das darstellerische Talent, vom dem die Oper lebt.

Wenn sich zweieinhalb Stunden zwei Drehscheiben (jeweils 24 Tonnen schwer) drehen, leuchten, heben und senken und eine von oben kommende gewölbte Scheibe noch dazu, braucht eine solch aufwändige, motorisierte Bühnenkonstruktionen nicht nur eine Menge Strom, man hört sie auch an den Pianostellen ächzen und knacken.

Dennoch gestaltet sich der Abend zu einem Gesamtkunsterlebnis: stimmlich große Arien, dramatische Duette und ein transzendentes Finale. Jubelrufe und stehende Ovationen!

Salzburg, Salzburger Festspiele, Großes Festspielhaus 

Do 7. August 2025 um 19:00 h
Mo 11. August 2025 um 19:00 h
Sa 16. August 2025 um 19:00 h
Di 19. August 2025 um 19:00 h
Sa 23. August 2025 um 19:30 h
Sa 30. August 2025 um 18:30 h

Sie kreist und kreist und kreist, als hätte sie das ewige Leben: Maria Stuarda. Wer hätte gedacht, dass sich dieses Konzept so punktgenau entfaltet, als wäre Ulrich Rasches Markenzeichen der Drehbühnen das einzig Wahre für Donizettis frühromatische Belcanto Oper. Rasche eröffnet mit den beiden gegeneinander rotierenden Drehscheiben einen magischen Raum für die beiden Königinnen: Elisabeth und Maria. Jede in ihrem eigenen Kosmos unterwegs, gleichsam auf ihrer eigenen Zeitlinie, und so kommen die Rivalinnen, auch bildhaft, auf der Bühne nicht zusammen.

Alle Darsteller bewegen sich ständig, die Starbesetzung und die Männergruppe der Salzburger Tanzakademie SEAD. Kate Lindsey gibt ihrer Elisabeth einen energischen, machvollen Schritt und gewinnt damit ein weiteres Ausdrucksmittel für die Mezzosopran-Partie. Lindsey nimmt uns ein mit der klanglichen Tiefe ihrer variantenreichen Stimme und verkörpert Elisabeth souverän und gleichzeitig menschlich. Mit dieser klaren Setzung gelingt Kate Lindsey ein großer Wurf.

Lisette Oropesa legt ihre Maria verspielt an, fast ein wenig tänzelnd. Unangestrengt und leicht glückt Oropesa ein lyrischer und gefühlvoller Ausdruck, der Elisabeths Gegenentwurf einer freien selbstgestimmten Frau in Pastellfarben auf die Bühne haucht. Dass Maria und Elisabeth Schwestern im Geiste sein könnten, nimmt man beiden Sängerinnen ab. Sie ergänzen sich kongenial, stimmlich, wie darstellerisch.

Leicester, Roberto, spielt eine Schlüsselrolle in Donizettis Maria Stuarda: Er ist Liebhaber beider Königinnen – Maria liebt ihn, Elisabeth will ihn. Nun ist Bekhzod Davronov ein trefflicher Tenor, der die Partie des Grafen Leicester fabelhaft sing; nur leider fehlt ihm das darstellerische Talent, vom dem die Oper lebt.

Wenn sich zweieinhalb Stunden zwei Drehscheiben (jeweils 24 Tonnen schwer) drehen, leuchten, heben und senken und eine von oben kommende gewölbte Scheibe noch dazu, braucht eine solch aufwändige, motorisierte Bühnenkonstruktionen nicht nur eine Menge Strom, man hört sie auch an den Pianostellen ächzen und knacken.

Dennoch gestaltet sich der Abend zu einem Gesamtkunsterlebnis: stimmlich große Arien, dramatische Duette und ein transzendentes Finale. Jubelrufe und stehende Ovationen!

Salzburg, Salzburger Festspiele, Großes Festspielhaus 

Do 7. August 2025 um 19:00 h
Mo 11. August 2025 um 19:00 h
Sa 16. August 2025 um 19:00 h
Di 19. August 2025 um 19:00 h
Sa 23. August 2025 um 19:30 h
Sa 30. August 2025 um 18:30 h

Direkt und unmittelbar verkörpert Burak Hoffmann den Fremden, die Figur des Gestrandeten, des Ausgeworfenen, des Obdachlosen, mitten im Publikum des dichten Theaterraums im tik. Er bringt Regenwasser, Blut, Schweiß und Tränen so dich heran, dass keiner ihm entkommt. Man spürt einerseits, dass Burak Hoffmann sein Herzens(diplom)projekt, den Monolog von Bernard-Marie Koltés, schon über 40 mal gespielt hat (Theater Oberhausen Trailer) und gleichzeitig entsteht er frisch, als hätte der französische Autor ihm gerade den Text eingeflüstert. Mit einer Spielfreude, die ansteckt.

Noch immer hat uns dieser, 1976 in Avignon uraufgeführte, Text etwas zu sagen. Noch immer haben wir die Ränder der Gesellschaft, die Menschen aussondern, ausstoßen und nicht mehr einlassen. Mehr noch durchziehen heute Gräben oder Meinungskorridore manchmal Familien, Länder oder Kontinente, die Menschen isolieren oder ihnen die Teilhabe verweigern.

Absolut sehenswert.

Berlin, Theater im Kino (tik), Berlin
So 25. Mai 2025, 20 h – ausverkauft
Fr 27. Juni 2025, 20 h
Sa 28. Juni 2025, 20 h

 

Direkt und unmittelbar verkörpert Burak Hoffmann den Fremden, die Figur des Gestrandeten, des Ausgeworfenen, des Obdachlosen, mitten im Publikum des dichten Theaterraums im tik. Er bringt Regenwasser, Blut, Schweiß und Tränen so dich heran, dass keiner ihm entkommt. Man spürt einerseits, dass Burak Hoffmann sein Herzens(diplom)projekt, den Monolog von Bernard-Marie Koltés, schon über 40 mal gespielt hat (Theater Oberhausen Trailer) und gleichzeitig entsteht er frisch, als hätte der französische Autor ihm gerade den Text eingeflüstert. Mit einer Spielfreude, die ansteckt.

Noch immer hat uns dieser, 1976 in Avignon uraufgeführte, Text etwas zu sagen. Noch immer haben wir die Ränder der Gesellschaft, die Menschen aussondern, ausstoßen und nicht mehr einlassen. Mehr noch durchziehen heute Gräben oder Meinungskorridore manchmal Familien, Länder oder Kontinente, die Menschen isolieren oder ihnen die Teilhabe verweigern.

Absolut sehenswert.

Berlin, Theater im Kino (tik), Berlin
So 25. Mai 2025, 20 h – ausverkauft
Fr 27. Juni 2025, 20 h
Sa 28. Juni 2025, 20 h

 

Pina Bausch selbst hatte es vor fast einem halben Jahrhundert während der Stückentwicklung gesagt: In 30 Jahren machen wir Kontakthof noch einmal in der gleichen Besetzung. 46 Jahre später entsteht mit neun der Original 20 Tänzer, eine Version 2.0 von Pina Bausch legendärer Inszenierung. Federführung übernahm Meryl Tankard, erfolgreiche Choreografin und Filmemacherin, die heute wie damals auch tanzend auf der Bühne steht.

Als 2024 im Proberaum die Filmaufnahmen der 1978er Kontakthof Inszenierung von Rolf Borzik laufen, springt der Funke über: Die heute zwischen 70 und 80 Jahre alten Tänzer beginnen, mit dem Bild ihres jüngeren Selbst zu tanzen. Diese Freude findet sich auf der Bühne wieder, wenn das Ensemble synchron mit den Bildern aus den siebziger Jahren bewegt. Das gelebte Leben wird in jeder Bewegung sichtbar und spürbar. Offen gelegt wird, dass 11 Tänzer fehlen. Die Toten sind in den Archivaufnahmen lebendig, die Meryl Tankard fabelhaft über den Live-Moment schichtet.

Zu den zwei Ebenen, der Musik aus den Dreißigern und dem Tanzstunden-Setting (Original Bühnenbild: Rolf Borzik) aus den siebziger Jahren, kommt in der Version 2.0 eine dritte Ebene, mit der Frage, ob die tradierten Rollenbilder noch heute eine Rolle spielen? Bis ein Jahr vor der Uraufführung von Kontakthof brauchten Frauen in Deutschland für eine Erwerbstätigkeit die Zustimmung ihres Ehemannes. Die vierte Ebene eröffnen die Darsteller direkt, als sie sich am Ende der ersten Halbzeit mit Namen, Geburtsort, Alter und dem vorstellen, was sie jeden Tag tun. Lutz Förster küsst jeden Tag seinen Mann (dieser Satz wäre 1978 beim damals geltenden § 175 StGB vermutlich nicht auf der Bühne gesprochen worden). Es hat sich also zum Glück doch einiges verändert in den letzten 46 Jahren.

Der Abend könnte auch eine Werbung dafür sein, sich jeden Tag tanzend zu bewegen, damit wir alle mit 80 noch den Hüftschwung drauf haben, den Arthur Rosenfeld schon mit zarten 34 nicht so hinbekam, wie seine Kollegen.

»Der Kontakthof ist ein Ort, an dem sich Menschen treffen, die auf der Suche nach Kontakt sind. Um sich zu zeigen, um sich zu verleugnen. Mit Ängsten. Sehnsucht. Enttäuschungen. Verzweiflung.«
— Pina Bausch

Berlin, Haus der Berliner Festspiele (im Rahmes des Theatertreffens 2025)
Mi 14. Mai 2025 um 20 h
Do 15. Mai 2025 um 20 h

St. Pölten, Festspielhaus
Sa 11. Oktober 2025 um 19.30 h

Den Haag, Amare 
Mi 15 Oktober 2025
Sa 18 Oktober 2025

 

Pina Bausch selbst hatte es vor fast einem halben Jahrhundert während der Stückentwicklung gesagt: In 30 Jahren machen wir Kontakthof noch einmal in der gleichen Besetzung. 46 Jahre später entsteht mit neun der Original 20 Tänzer, eine Version 2.0 von Pina Bausch legendärer Inszenierung. Federführung übernahm Meryl Tankard, erfolgreiche Choreografin und Filmemacherin, die heute wie damals auch tanzend auf der Bühne steht.

Als 2024 im Proberaum die Filmaufnahmen der 1978er Kontakthof Inszenierung von Rolf Borzik laufen, springt der Funke über: Die heute zwischen 70 und 80 Jahre alten Tänzer beginnen, mit dem Bild ihres jüngeren Selbst zu tanzen. Diese Freude findet sich auf der Bühne wieder, wenn das Ensemble synchron mit den Bildern aus den siebziger Jahren bewegt. Das gelebte Leben wird in jeder Bewegung sichtbar und spürbar. Offen gelegt wird, dass 11 Tänzer fehlen. Die Toten sind in den Archivaufnahmen lebendig, die Meryl Tankard fabelhaft über den Live-Moment schichtet.

Zu den zwei Ebenen, der Musik aus den Dreißigern und dem Tanzstunden-Setting (Original Bühnenbild: Rolf Borzik) aus den siebziger Jahren, kommt in der Version 2.0 eine dritte Ebene, mit der Frage, ob die tradierten Rollenbilder noch heute eine Rolle spielen? Bis ein Jahr vor der Uraufführung von Kontakthof brauchten Frauen in Deutschland für eine Erwerbstätigkeit die Zustimmung ihres Ehemannes. Die vierte Ebene eröffnen die Darsteller direkt, als sie sich am Ende der ersten Halbzeit mit Namen, Geburtsort, Alter und dem vorstellen, was sie jeden Tag tun. Lutz Förster küsst jeden Tag seinen Mann (dieser Satz wäre 1978 beim damals geltenden § 175 StGB vermutlich nicht auf der Bühne gesprochen worden). Es hat sich also zum Glück doch einiges verändert in den letzten 46 Jahren.

Der Abend könnte auch eine Werbung dafür sein, sich jeden Tag tanzend zu bewegen, damit wir alle mit 80 noch den Hüftschwung drauf haben, den Arthur Rosenfeld schon mit zarten 34 nicht so hinbekam, wie seine Kollegen.

»Der Kontakthof ist ein Ort, an dem sich Menschen treffen, die auf der Suche nach Kontakt sind. Um sich zu zeigen, um sich zu verleugnen. Mit Ängsten. Sehnsucht. Enttäuschungen. Verzweiflung.«
— Pina Bausch

Berlin, Haus der Berliner Festspiele (im Rahmes des Theatertreffens 2025)
Mi 14. Mai 2025 um 20 h
Do 15. Mai 2025 um 20 h

St. Pölten, Festspielhaus
Sa 11. Oktober 2025 um 19.30 h

Den Haag, Amare 
Mi 15 Oktober 2025
Sa 18 Oktober 2025

 

Es ist kein Tanz. Sharon Eyal hat es geschafft, die Tänzer des Staatsballetts Berlin zu Bewegung an sich werden zu lassen: rein, pur und radikal. Noch nie hat man dieses »corps de ballet«  so präsent gesehen. Man könnte meinen, die 20 Tänzer verkörperten griechische Gottheiten. Aber nein, sie sind: Pythia, Gaia, Artemis, Asklepios, Apollo. Sie sind eins mit den Göttern. Ein lebendig, atmender Organismus. Der Herzschlag, komponiert von Ori Lichtik, rhythmisiert und hypnotisiert die 20 »Athleten« auf der Bühne und jeden einzelnen Zuschauer bis in die letzte Reihe des letzten Rangs. Die Körper auf der Bühne scheinen griechischen Vasen entsprungen, die in diesem Ritual Zeit, Raum, Leben und Tod überwunden haben. Am Ende von »2 Chapter Love« sind alle am Limit, haben Andacht, Demut und Erschöpfung erreicht. Ein gigantisches Gesamtkunsterlebnis. Stehende Ovationen.

»Stars like Moths« von Sol León macht den Auftakt dieses großen Tanzabends. Sie fordert unsere Vorstellungen von Identität heraus. Ist es wirklich so schwarz, weiß, männlich, weiblich, gesteuert, vorbestimmt – in Stöckelschuhen und Tütü? Und sind wir alle nur ein zeitliches Flackern, traumgleich suchend?

So unterschiedlich die beiden Stücke zweier weiblicher Choreographinnen, so kongenial ergänzen sie sich. Der Abend ist eine Hymne an den Tanz.

Berlin, Staatsoper unter den Linden
Do 17. April 2025 um 19:30 h
Mi 30. Aprl 2025 um 19:30 h
Fr 30. Mai 2025 um 19:30 h

 

Es ist kein Tanz. Sharon Eyal hat es geschafft, die Tänzer des Staatsballetts Berlin zu Bewegung an sich werden zu lassen: rein, pur und radikal. Noch nie hat man dieses »corps de ballet«  so präsent gesehen. Man könnte meinen, die 20 Tänzer verkörperten griechische Gottheiten. Aber nein, sie sind: Pythia, Gaia, Artemis, Asklepios, Apollo. Sie sind eins mit den Göttern. Ein lebendig, atmender Organismus. Der Herzschlag, komponiert von Ori Lichtik, rhythmisiert und hypnotisiert die 20 »Athleten« auf der Bühne und jeden einzelnen Zuschauer bis in die letzte Reihe des letzten Rangs. Die Körper auf der Bühne scheinen griechischen Vasen entsprungen, die in diesem Ritual Zeit, Raum, Leben und Tod überwunden haben. Am Ende von »2 Chapter Love« sind alle am Limit, haben Andacht, Demut und Erschöpfung erreicht. Ein gigantisches Gesamtkunsterlebnis. Stehende Ovationen.

»Stars like Moths« von Sol León macht den Auftakt dieses großen Tanzabends. Sie fordert unsere Vorstellungen von Identität heraus. Ist es wirklich so schwarz, weiß, männlich, weiblich, gesteuert, vorbestimmt – in Stöckelschuhen und Tütü? Und sind wir alle nur ein zeitliches Flackern, traumgleich suchend?

So unterschiedlich die beiden Stücke zweier weiblicher Choreographinnen, so kongenial ergänzen sie sich. Der Abend ist eine Hymne an den Tanz.

Berlin, Staatsoper unter den Linden
Do 17. April 2025 um 19:30 h
Mi 30. Aprl 2025 um 19:30 h
Fr 30. Mai 2025 um 19:30 h

 

Als Leo an ihre Wut kommt, gibt es Szenenapplaus. Sie saust mit dem Fahrrad durch den Zuschauerraum und umkreist das Parkett. Alle Fahrradfahrer kennen die Probleme, die Leo (Mira Fajfer) hier so authentisch raus haut. Am Ende ihres Monologs kritisiert sie neben den Zweite-Reihe-Parkern das Mansplaining 

Aber bekommen wir hier nicht ein zweistündiges »Womensplaining« vorgeführt? Vielleicht ist das der Konter nach Jahrhunderten der männlichen Welterklärer. Zu Beginn geht es um die Aneignung von Wut als vermeintlich männlicher Zuschreibung, wenn Konn (Dela Dabulamanzi) rhythmisch zuschlägt. Es scheint, der Female* Flight Club will Tabu-Themen zur Sprache bringen. Sind die am Ende des Abends enttabuisiert?! Geht das? Nicht wirklich. Die Fragen, die sich Leo so sehnlichst wünscht – dass Mitmenschen mitfühlend nachfragen würden und nicht schweigen – sehen wir nicht auf der Bühne. Es wird vieles berührt und nicht ausgeführt. Wir sehen eher Schattenboxen als Auseinandersetzung. Am Ende des Abends besteht Gesprächsbedarf. 

Die Figur von Alex (Pan Selle), einer Art Ringrichter, liefert die Kommentarebene: »Ihr habt ja beide recht.« Aber geht es ums Rechthaben? Rumi sagte einmal: »Out beyond ideas of wrongdoing and rightdoing, there is a field. I'll meet you there.«

Pina Kühr (Regie und Autorin) möchte mit ihrem Erstlingswerk Räume öffnen. Ob das gelingt, möge jeder selbst in Augenschein nehmen. Bei der Premiere gibt es tosenden Applaus für die drei fabelhaften Spielerinnen.

Berlin, Heimathafen Neukölln
Sa 22.3.2025 um 19:30 h, anschließend Publikumsgespräch
Fr 28.3.2025 um 19:30 h
Sa 29.3.2025 um 19:30 h, anschließend Publikumsgespräch
Fr 11.4.2025 um 19:30 h
Sa 12.4.2025 um 19:30 h, anschließend Publikumsgespräch
Do 24.4.2025 um 19:30 h
Fr 25.4.2025 um 19:30 h
 

Als Leo an ihre Wut kommt, gibt es Szenenapplaus. Sie saust mit dem Fahrrad durch den Zuschauerraum und umkreist das Parkett. Alle Fahrradfahrer kennen die Probleme, die Leo (Mira Fajfer) hier so authentisch raus haut. Am Ende ihres Monologs kritisiert sie neben den Zweite-Reihe-Parkern das Mansplaining 

Aber bekommen wir hier nicht ein zweistündiges »Womensplaining« vorgeführt? Vielleicht ist das der Konter nach Jahrhunderten der männlichen Welterklärer. Zu Beginn geht es um die Aneignung von Wut als vermeintlich männlicher Zuschreibung, wenn Konn (Dela Dabulamanzi) rhythmisch zuschlägt. Es scheint, der Female* Flight Club will Tabu-Themen zur Sprache bringen. Sind die am Ende des Abends enttabuisiert?! Geht das? Nicht wirklich. Die Fragen, die sich Leo so sehnlichst wünscht – dass Mitmenschen mitfühlend nachfragen würden und nicht schweigen – sehen wir nicht auf der Bühne. Es wird vieles berührt und nicht ausgeführt. Wir sehen eher Schattenboxen als Auseinandersetzung. Am Ende des Abends besteht Gesprächsbedarf. 

Die Figur von Alex (Pan Selle), einer Art Ringrichter, liefert die Kommentarebene: »Ihr habt ja beide recht.« Aber geht es ums Rechthaben? Rumi sagte einmal: »Out beyond ideas of wrongdoing and rightdoing, there is a field. I'll meet you there.«

Pina Kühr (Regie und Autorin) möchte mit ihrem Erstlingswerk Räume öffnen. Ob das gelingt, möge jeder selbst in Augenschein nehmen. Bei der Premiere gibt es tosenden Applaus für die drei fabelhaften Spielerinnen.

Berlin, Heimathafen Neukölln
Sa 22.3.2025 um 19:30 h, anschließend Publikumsgespräch
Fr 28.3.2025 um 19:30 h
Sa 29.3.2025 um 19:30 h, anschließend Publikumsgespräch
Fr 11.4.2025 um 19:30 h
Sa 12.4.2025 um 19:30 h, anschließend Publikumsgespräch
Do 24.4.2025 um 19:30 h
Fr 25.4.2025 um 19:30 h
 

Zwei Frauen, Felicia Binger und Christine Prayon, die wissen, wovon sie sprechen. Sie stehen auf der Bühne für all die, die nicht die Kraft haben, da zu sein. Beide leiden bis heute unter Nebenwirkungen der mRNA Behandlung. Sie wenden sich als Menschen an uns und verkörpern gleichzeitig die Rollen der Lektoren Gabi und der Kabarettistin Christine. 

Die beiden sind so auf den Punkt, dass man aus dem Lachen kaum mehr herauskommt. Aber das eigentliche Wunder passiert in Teil zwei, nach der Lesung und dem Lauterbach. Die Schauspielerinnen legen ihre Rollen ab, steigen herunter von der Bühne und öffnen den Raum für alle. Die Zuschauer sind keine Zuschauer mehr und die Akteure keine Akteure mehr. Alles sprechen miteinander und hören einander zu. Lauschen den Zwischentönen, jenseits von richtig und falsch. Hier wird auch dem Letzten klar, dass wir alle eine Menschheitsfamilie sind, ob gespritzt oder ungespritzt – und dass die Motive für oder gegen das eine oder das andere so vielfältig sind wie unsere Nasen.

Das Buch zum satirischen Abend hat der Westend Verlag herausgebracht. Zu kaufen beim Buchhändler um die Ecke oder beim nächsten Live-Event:
 

Eberswalde, Kleinschmidt
So 9. März 2025 um 19 h

Bonn, Pantheon
Mi 19. März 2025 um 20 h

Zürich, Volkshaus Zürich, Schweiz
So 11. Mai 2025 um 16 h

Seon, Schweiz, Konservi
Mo 12. Mai 2025 um 20:15 h
 

Zwei Frauen, Felicia Binger und Christine Prayon, die wissen, wovon sie sprechen. Sie stehen auf der Bühne für all die, die nicht die Kraft haben, da zu sein. Beide leiden bis heute unter Nebenwirkungen der mRNA Behandlung. Sie wenden sich als Menschen an uns und verkörpern gleichzeitig die Rollen der Lektoren Gabi und der Kabarettistin Christine. 

Die beiden sind so auf den Punkt, dass man aus dem Lachen kaum mehr herauskommt. Aber das eigentliche Wunder passiert in Teil zwei, nach der Lesung und dem Lauterbach. Die Schauspielerinnen legen ihre Rollen ab, steigen herunter von der Bühne und öffnen den Raum für alle. Die Zuschauer sind keine Zuschauer mehr und die Akteure keine Akteure mehr. Alles sprechen miteinander und hören einander zu. Lauschen den Zwischentönen, jenseits von richtig und falsch. Hier wird auch dem Letzten klar, dass wir alle eine Menschheitsfamilie sind, ob gespritzt oder ungespritzt – und dass die Motive für oder gegen das eine oder das andere so vielfältig sind wie unsere Nasen.

Das Buch zum satirischen Abend hat der Westend Verlag herausgebracht. Zu kaufen beim Buchhändler um die Ecke oder beim nächsten Live-Event:
 

Eberswalde, Kleinschmidt
So 9. März 2025 um 19 h

Bonn, Pantheon
Mi 19. März 2025 um 20 h

Zürich, Volkshaus Zürich, Schweiz
So 11. Mai 2025 um 16 h

Seon, Schweiz, Konservi
Mo 12. Mai 2025 um 20:15 h
 

Ein Weltstar betritt die Bühne der kleinen Philharmonie, barfüßig, allein und so bescheiden wie eine Chorsängerin aus der dritten Reihe. Der Applaus brandet frenetisch und sollte es im Saal jemanden geben, der nicht wüsste, wer Anoushka Shankar ist, spätestens jetzt wäre klar: hier steht ein Ausnahmetalent. Die klassische indischen Musik erlernte sie beim Großmeister Ravi Shankar, ihrem Vater. Der hat seinerzeit dem Western die Ohren geöffnet für die Sitar. Was die Tocher an diesem Abend auf die Bühne zaubert, liegt jenseits von klassischen Sitar Stücken. Anoushka Shankar beginnt in Stille gleitet in das erste Stück: »Offering«. Oszilliert im Rund des Konzertsaals und bringt alle Zuhörer unisono zum Schwingen. Aus einer Andacht entsteht ein Dialog. Die Zuhörer antworten mit Applaus, der eher klingt wie die Erwiderung auf der erste Stück.

Nach »Stolen Moments« und Pacifica, läuft das Ensemble zu Höchstform auf. »What will we remember« steigert sich zu einem melancholisches Crescendo, bevor Anoushka ein paar Worte spricht. Ihr Koffer ging verloren und sie kam in Berlin nur mit Handgepäck an und so trägt sie heute Abend das Dinner Kleid und nicht das geplante Bühnen Outfit. Man könnte meinen, wir sind in die Familie aufgenommen und sitzen bei ihr zuhause auf dem Sofa.

In der zweiten Hälfte »New Dawn«, »Secret Heart«,  »Traces of you« und noch mehr Tiefe aus der Mitte des Herzens des Indischen Subkontinets. Das Weltklasse-Ensemble der Weltmusik aus den Meistern ihres Faches: Arun Ghosh (Klarinette), Sarathy Korwar (Drums), Pirashanna Thevarajah (Indische Percussion) und Tom Farmer (Bass), erschafft eine eine hypnotisierende Mischung aus zeitgenössischen, globalen Reflexionen auf klassische indische Traditionen. Ein Live-Erlebnis der Extraklasse.

Tourdaten Anoushka Shankar 

In der Konzertreihe World auf Einladung der Berliner Philharmoniker spielen im Kammermusiksaal der Philharmonie Berlin:

Die Stimmen Persiens: Hossein Alizadeh & Hamavayan Ensemble
Fr 15. November 2024, 20.00 Uhr 

Souad Massi – Kosmopolitin aus Algerien
Fr 28. März 2025, 20.00 Uhr

Sona Jobarteh – Zauber der afrikanischen Harfe
Do 29. Mai 2025, 20.00 Uhr
 

Ein Weltstar betritt die Bühne der kleinen Philharmonie, barfüßig, allein und so bescheiden wie eine Chorsängerin aus der dritten Reihe. Der Applaus brandet frenetisch und sollte es im Saal jemanden geben, der nicht wüsste, wer Anoushka Shankar ist, spätestens jetzt wäre klar: hier steht ein Ausnahmetalent. Die klassische indischen Musik erlernte sie beim Großmeister Ravi Shankar, ihrem Vater. Der hat seinerzeit dem Western die Ohren geöffnet für die Sitar. Was die Tocher an diesem Abend auf die Bühne zaubert, liegt jenseits von klassischen Sitar Stücken. Anoushka Shankar beginnt in Stille gleitet in das erste Stück: »Offering«. Oszilliert im Rund des Konzertsaals und bringt alle Zuhörer unisono zum Schwingen. Aus einer Andacht entsteht ein Dialog. Die Zuhörer antworten mit Applaus, der eher klingt wie die Erwiderung auf der erste Stück.

Nach »Stolen Moments« und Pacifica, läuft das Ensemble zu Höchstform auf. »What will we remember« steigert sich zu einem melancholisches Crescendo, bevor Anoushka ein paar Worte spricht. Ihr Koffer ging verloren und sie kam in Berlin nur mit Handgepäck an und so trägt sie heute Abend das Dinner Kleid und nicht das geplante Bühnen Outfit. Man könnte meinen, wir sind in die Familie aufgenommen und sitzen bei ihr zuhause auf dem Sofa.

In der zweiten Hälfte »New Dawn«, »Secret Heart«,  »Traces of you« und noch mehr Tiefe aus der Mitte des Herzens des Indischen Subkontinets. Das Weltklasse-Ensemble der Weltmusik aus den Meistern ihres Faches: Arun Ghosh (Klarinette), Sarathy Korwar (Drums), Pirashanna Thevarajah (Indische Percussion) und Tom Farmer (Bass), erschafft eine eine hypnotisierende Mischung aus zeitgenössischen, globalen Reflexionen auf klassische indische Traditionen. Ein Live-Erlebnis der Extraklasse.

Tourdaten Anoushka Shankar 

In der Konzertreihe World auf Einladung der Berliner Philharmoniker spielen im Kammermusiksaal der Philharmonie Berlin:

Die Stimmen Persiens: Hossein Alizadeh & Hamavayan Ensemble
Fr 15. November 2024, 20.00 Uhr 

Souad Massi – Kosmopolitin aus Algerien
Fr 28. März 2025, 20.00 Uhr

Sona Jobarteh – Zauber der afrikanischen Harfe
Do 29. Mai 2025, 20.00 Uhr
 

»Kunst kommt von können,« … sagte Karl Valentin, und wer kann, der kann. Berlin kann nicht und muss sparen. Aktuell macht die Kultur einen Anteil von 2,1 % am Gesamthaushalt des Landes Berlin aus. Und davon sollen 2025 noch mal zwischen 110 bis 150 Millionen Euro eingespart werden. Was bedeutet das?

Die geplanten Kürzungen treffen alle: die großen Häuser, die kleinen Spielstätten, die freie Szene, die Literatur, die Bildende Kunst, den Tanz, die kulturelle Bildung, die Clubs und alle, die in Berlin im Kulturbereich tätig sind (das sind 8,2% der Erwerbstätigen).

Die Kulturschaffenden Berlins stehen solidarisch zusammen, um Kürzungen für den Kultursektor entschieden abzuwenden. Unterstützt wird die Petition des Deuten Bühnenvereins von zahlreichen Künstlerinnen und Künstlern, darunter Daniel Barenboim, Simon Rattle, Kirill Petrenko, Frank Castorf, Nina Hoss, Katharina Schüttler, Fritzi Haberlandt, Lars Eidinger, Ulrich Matthes, Joachim Meyerhoff, Barrie Kosky, Michael Thalheimer, Sasha Waltz, Angela Winkler und viele andere

Nicht nur der Berliner Senat hat Kürzungen angekündigt, auch der Bundeskulturfonds im Bundeshaushalt 2025 eine Reduktion um 50 Prozent. Das könnte die kulturelle Vielfalt und Bildung in Deutschland erheblich beeinträchtigen.

Wer seine Stimme erheben will, kann die Initiative des Deutschen Bühnenvereins hier unterstützen.
 

 

»Kunst kommt von können,« … sagte Karl Valentin, und wer kann, der kann. Berlin kann nicht und muss sparen. Aktuell macht die Kultur einen Anteil von 2,1 % am Gesamthaushalt des Landes Berlin aus. Und davon sollen 2025 noch mal zwischen 110 bis 150 Millionen Euro eingespart werden. Was bedeutet das?

Die geplanten Kürzungen treffen alle: die großen Häuser, die kleinen Spielstätten, die freie Szene, die Literatur, die Bildende Kunst, den Tanz, die kulturelle Bildung, die Clubs und alle, die in Berlin im Kulturbereich tätig sind (das sind 8,2% der Erwerbstätigen).

Die Kulturschaffenden Berlins stehen solidarisch zusammen, um Kürzungen für den Kultursektor entschieden abzuwenden. Unterstützt wird die Petition des Deuten Bühnenvereins von zahlreichen Künstlerinnen und Künstlern, darunter Daniel Barenboim, Simon Rattle, Kirill Petrenko, Frank Castorf, Nina Hoss, Katharina Schüttler, Fritzi Haberlandt, Lars Eidinger, Ulrich Matthes, Joachim Meyerhoff, Barrie Kosky, Michael Thalheimer, Sasha Waltz, Angela Winkler und viele andere

Nicht nur der Berliner Senat hat Kürzungen angekündigt, auch der Bundeskulturfonds im Bundeshaushalt 2025 eine Reduktion um 50 Prozent. Das könnte die kulturelle Vielfalt und Bildung in Deutschland erheblich beeinträchtigen.

Wer seine Stimme erheben will, kann die Initiative des Deutschen Bühnenvereins hier unterstützen.
 

Sie haben uns sofort in ihrem Bann: Barfüßig und ganz in Weiß gekleidet, tanzend, singend bahnen sich Jan und Marco wie zwei Hare Krishnas den Weg durchs Publikum. Wir wollen die Mantren direkt mitsingen, ihnen folgen, ihrem Strahlen in den Augen und in der Stimme. Genau das ist der Zugang zu den 80ern, den uns diese beiden fabelhaften Musiker eröffnen. Feinsinnig, ironisch und gleichzeitig nehmen sie jeden Song so ernst, dass man weinen möchte. Pur und bar, wie auf die Knochen herunter gekocht. Die Bedeutung frei gelegt, wie die wahre Nacktheit.
 
Wie machen sie das? Sie erzählen Geschichten, sie sind »show men« und ein Duo, das jeden Abend neu eine Spielfreude hervorbringt, dass einem das Herz übergeht. Dann sind alle Versionen immer Interpretationen. Wir bekommen also der Blick der beiden auf die Hits der 80er Jahre. Ein Live-Genuss der handgemachten Musik, der das kongeniale Album in den Schatten stellt: Wir begegnen den Helden: »Billie Jean« (von Michael Jackson), dem »Smalltown boy« (von Bronski Beat), den »Wild Boys« (von Duran Duran) oder dem »Material Girl« (von Madonna) und Plewka & Schmedtje lassen uns neue Dimensionen entdecken in Liedern, die wir vielleicht tausendfach gehört haben. Unerhört!

Dann wird in der zweiten Hälfte noch ordentlich aus dem Hut gezaubert. Mehr soll nicht verraten sein. Beglückend eins ums andere Mal, die unfassbar schöne Version von »Der Traum ist aus«, »Junimond« und »The Boxer«. Kommen und Hören, kommen und Sehen. Nichts schöner als das, was vergeht.


Hamburg, Fabrik
Do 6.6.2024 um 20 h

Bremen, Kito – Altes Packhaus
Fr 7. Juni 2024 um 20 h (Tickets)
 
Itzehoe, Lauschbar
Sa 8. Juni 2024 um 20 h

Langeness, Kultur auf den Halligen
So 9. Juni 2024 um 20 h

Eberswalde, Kleinschmidt
So 12. Januar 2025 um 20 h (Restkarten)


 

Sie haben uns sofort in ihrem Bann: Barfüßig und ganz in Weiß gekleidet, tanzend, singend bahnen sich Jan und Marco wie zwei Hare Krishnas den Weg durchs Publikum. Wir wollen die Mantren direkt mitsingen, ihnen folgen, ihrem Strahlen in den Augen und in der Stimme. Genau das ist der Zugang zu den 80ern, den uns diese beiden fabelhaften Musiker eröffnen. Feinsinnig, ironisch und gleichzeitig nehmen sie jeden Song so ernst, dass man weinen möchte. Pur und bar, wie auf die Knochen herunter gekocht. Die Bedeutung frei gelegt, wie die wahre Nacktheit.
 
Wie machen sie das? Sie erzählen Geschichten, sie sind »show men« und ein Duo, das jeden Abend neu eine Spielfreude hervorbringt, dass einem das Herz übergeht. Dann sind alle Versionen immer Interpretationen. Wir bekommen also der Blick der beiden auf die Hits der 80er Jahre. Ein Live-Genuss der handgemachten Musik, der das kongeniale Album in den Schatten stellt: Wir begegnen den Helden: »Billie Jean« (von Michael Jackson), dem »Smalltown boy« (von Bronski Beat), den »Wild Boys« (von Duran Duran) oder dem »Material Girl« (von Madonna) und Plewka & Schmedtje lassen uns neue Dimensionen entdecken in Liedern, die wir vielleicht tausendfach gehört haben. Unerhört!

Dann wird in der zweiten Hälfte noch ordentlich aus dem Hut gezaubert. Mehr soll nicht verraten sein. Beglückend eins ums andere Mal, die unfassbar schöne Version von »Der Traum ist aus«, »Junimond« und »The Boxer«. Kommen und Hören, kommen und Sehen. Nichts schöner als das, was vergeht.


Hamburg, Fabrik
Do 6.6.2024 um 20 h

Bremen, Kito – Altes Packhaus
Fr 7. Juni 2024 um 20 h (Tickets)
 
Itzehoe, Lauschbar
Sa 8. Juni 2024 um 20 h

Langeness, Kultur auf den Halligen
So 9. Juni 2024 um 20 h

Eberswalde, Kleinschmidt
So 12. Januar 2025 um 20 h (Restkarten)


 

Es ist nur Papier, eine zweidimensionale Fläche und doch schafft es Alexander Stütz eine Tiefe in seine Arbeiten zu zaubern, dass man vor seinen Ausstellungsstücken verharrt, still wird und versucht, das Rätsel zu lösen. Wie macht er das? In seiner aktuellen Ausstellung in der Berliner Galerie AU zeigt der Künstler Alexander Stütz, was er aus einer einfachen Linie herausholen kann. Eine spannende Auswahl an Zeichnungen und Kollagen interagiert in den Galerieräumen fast zu einem Gesamtkunstwerk: sinnlich und cool, figurativ und abstrakt.

Der Künstler sagt: »Ich arbeite immer aus dem Herzen in die Hand.«
Sehenswert vor allem die kleinen Formate. Dringend empfohlen.

Galerie AU Berlin
Hiddenseer Straße 1A
10437 Berlin

6. bis 22.4.2024
Mo bis Sa 13 bis 18 h

 

Es ist nur Papier, eine zweidimensionale Fläche und doch schafft es Alexander Stütz eine Tiefe in seine Arbeiten zu zaubern, dass man vor seinen Ausstellungsstücken verharrt, still wird und versucht, das Rätsel zu lösen. Wie macht er das? In seiner aktuellen Ausstellung in der Berliner Galerie AU zeigt der Künstler Alexander Stütz, was er aus einer einfachen Linie herausholen kann. Eine spannende Auswahl an Zeichnungen und Kollagen interagiert in den Galerieräumen fast zu einem Gesamtkunstwerk: sinnlich und cool, figurativ und abstrakt.

Der Künstler sagt: »Ich arbeite immer aus dem Herzen in die Hand.«
Sehenswert vor allem die kleinen Formate. Dringend empfohlen.

Galerie AU Berlin
Hiddenseer Straße 1A
10437 Berlin

6. bis 22.4.2024
Mo bis Sa 13 bis 18 h

 

Der Choreograf Trajal Harrell ist der letzte, der sich vorstellt. Die anderen, lassen uns wissen, wie oft sie in Disney Land waren (65 mal), oder welcher Nationalität sie angehören (I am French. Nobody is perfect.) Offene Bühne, volles Saallicht.

Und dann beginnt das Spiel: »Wir weben, wir weben!« schrieb Heine. Die Zeile könnte eine Überschrift sein für diesen Tanzabend. Jeder einzelne Spieler spinnt seinen individuellen Faden, bringt seine Einzigartigkeit in diesen Kosmos aus Bewegung; so verbindet sich das ganze Ensemble zu einem organisch atmenden Körper. Jeder der 14 Tänzer des Schauspielhaus Zürich Dance Ensembles webt seinen eigenen Ausdruck in diesen großen Teppich, der sich über anderthalb Stunden, Faden um Faden, verdichtet. Auch der Klangteppich verwebt zu einer filmischen Grundierung aus unterschiedlichsten Genres, wie Pink Floyd, Vladimir Cosma oder Erik Satie enthebt uns der Zeit, Leben und Tod.

Kongenial sind die Kostüme bei jedem neuen Auftritt neu erdacht, Versatzstücke tauchen immer wieder auf, zu neuen Kombinationen verschnitten, kulturelles Erbe geöffnet, vorgetragen wie Haut Couture. Wir entdecken Preisschilder, Kleiderbügel-Fragmente, Hemden als Kleider, Röcke als Oberteile getragen. Repetition und Variation finden wir auch in den Bewegungsmustern: ägyptische Armhaltungen, griechische Kreistänze, höfische Gruppentänze. Die immer gleichen Abläufe hypnotisieren und entwickeln einen mythologischen Sog.

Über den Abend scheinen sich auch die Bewegungen mehr und mehr zu befreien. Wir erleben ein Fest aus Körperformen, Klangfarben und kulturellem Ausdruck. Das Freie braucht die Offenheit und Imperfektion. Großes Tanztheater, das sich von Vorstellung zu Vorstellung weiter verdichten wird und immer neue Transformationprozesse anstoßen wird. Dringend empfohlen, nicht nur für Tanzfans.

Schauspielhaus Zürich, Pfauen
Mo 03.04. 20:00 
Sa 08.04. 20:00 
Sa 15.04. 20:00
So 16.04. 16:00
Do 27.04. 20:00
Fr 28.04. 20:00
So 30.04. 17:00
Mo 01.05. 18:00
So 07.05. 16:00
Mo 22.05. 20:00 

Der Choreograf Trajal Harrell ist der letzte, der sich vorstellt. Die anderen, lassen uns wissen, wie oft sie in Disney Land waren (65 mal), oder welcher Nationalität sie angehören (I am French. Nobody is perfect.) Offene Bühne, volles Saallicht.

Und dann beginnt das Spiel: »Wir weben, wir weben!« schrieb Heine. Die Zeile könnte eine Überschrift sein für diesen Tanzabend. Jeder einzelne Spieler spinnt seinen individuellen Faden, bringt seine Einzigartigkeit in diesen Kosmos aus Bewegung; so verbindet sich das ganze Ensemble zu einem organisch atmenden Körper. Jeder der 14 Tänzer des Schauspielhaus Zürich Dance Ensembles webt seinen eigenen Ausdruck in diesen großen Teppich, der sich über anderthalb Stunden, Faden um Faden, verdichtet. Auch der Klangteppich verwebt zu einer filmischen Grundierung aus unterschiedlichsten Genres, wie Pink Floyd, Vladimir Cosma oder Erik Satie enthebt uns der Zeit, Leben und Tod.

Kongenial sind die Kostüme bei jedem neuen Auftritt neu erdacht, Versatzstücke tauchen immer wieder auf, zu neuen Kombinationen verschnitten, kulturelles Erbe geöffnet, vorgetragen wie Haut Couture. Wir entdecken Preisschilder, Kleiderbügel-Fragmente, Hemden als Kleider, Röcke als Oberteile getragen. Repetition und Variation finden wir auch in den Bewegungsmustern: ägyptische Armhaltungen, griechische Kreistänze, höfische Gruppentänze. Die immer gleichen Abläufe hypnotisieren und entwickeln einen mythologischen Sog.

Über den Abend scheinen sich auch die Bewegungen mehr und mehr zu befreien. Wir erleben ein Fest aus Körperformen, Klangfarben und kulturellem Ausdruck. Das Freie braucht die Offenheit und Imperfektion. Großes Tanztheater, das sich von Vorstellung zu Vorstellung weiter verdichten wird und immer neue Transformationprozesse anstoßen wird. Dringend empfohlen, nicht nur für Tanzfans.

Schauspielhaus Zürich, Pfauen
Mo 03.04. 20:00 
Sa 08.04. 20:00 
Sa 15.04. 20:00
So 16.04. 16:00
Do 27.04. 20:00
Fr 28.04. 20:00
So 30.04. 17:00
Mo 01.05. 18:00
So 07.05. 16:00
Mo 22.05. 20:00 

Ein Wolf, ein Flügel, Wotan in Unterhosen, Flüchtlinge als stummer Chor und das Ganze in einem Bühnenraum voll gepfercht mit alten Koffern. Dazwischen Nebel, schwebende Sieglinden, Saallicht, Hojotoho. Viel Trubel und wenig Zusammenhang hat das Regieteam um Stefan Herheim da auf die Bühne gestellt. Nach 30 Jahren ein brandneuer Ring (Premiere 27.9.2020), bei dem man zum Verständnis einen Beipackzettel braucht: und auch der macht aus den einzelnen Effekten leider kein Erzähltheater.

In diesem »Kofferraum« tummeln sich große Stimmen, die große Freude machen: Nina Stemme als Brünnhilde, Annika Schlicht als Fricka und Lise Davidsen als Sieglinde. Aber Stefan Herheim schafft es nicht diesen Frauenfiguren neuen Raum zu verschaffen oder den Walküren zu neuen Höhen zu verhelfen. Sie müssen sich mit Untoten herumschlagen und sich vergewaltigen lassen.

Der Göttervater Wotan, gesungen von John Lundgren, schwebt bei Zeiten über allem und auch hier scheint die Regie den zarten Momenten im Weg zu stehen. Das Lebewohl weiß Lundgren beileibe so zu singen, dass man schmilzt – das hat er in Bayreuth und auf den großen Opernbühnen bewiesen. Es wäre als fehlte nicht nur an dieser Stelle die Ruhe und der Raum für die Musik und die Worte.

Ein neuer Ring, ein neues Ding. Große Erwartungen. Bravos und Buhs im tosenden Schlussapplaus.

Deutsche Oper Berlin
So 4. Oktober 2020 um 16 h
Do 8. Oktober 2020 um 17 h
So 11. Oktober 2020 um 16 h
Fr 13. November 2020 um 17 h
So 15. November 2020 um 16 h

Ein Wolf, ein Flügel, Wotan in Unterhosen, Flüchtlinge als stummer Chor und das Ganze in einem Bühnenraum voll gepfercht mit alten Koffern. Dazwischen Nebel, schwebende Sieglinden, Saallicht, Hojotoho. Viel Trubel und wenig Zusammenhang hat das Regieteam um Stefan Herheim da auf die Bühne gestellt. Nach 30 Jahren ein brandneuer Ring (Premiere 27.9.2020), bei dem man zum Verständnis einen Beipackzettel braucht: und auch der macht aus den einzelnen Effekten leider kein Erzähltheater.

In diesem »Kofferraum« tummeln sich große Stimmen, die große Freude machen: Nina Stemme als Brünnhilde, Annika Schlicht als Fricka und Lise Davidsen als Sieglinde. Aber Stefan Herheim schafft es nicht diesen Frauenfiguren neuen Raum zu verschaffen oder den Walküren zu neuen Höhen zu verhelfen. Sie müssen sich mit Untoten herumschlagen und sich vergewaltigen lassen.

Der Göttervater Wotan, gesungen von John Lundgren, schwebt bei Zeiten über allem und auch hier scheint die Regie den zarten Momenten im Weg zu stehen. Das Lebewohl weiß Lundgren beileibe so zu singen, dass man schmilzt – das hat er in Bayreuth und auf den großen Opernbühnen bewiesen. Es wäre als fehlte nicht nur an dieser Stelle die Ruhe und der Raum für die Musik und die Worte.

Ein neuer Ring, ein neues Ding. Große Erwartungen. Bravos und Buhs im tosenden Schlussapplaus.

Deutsche Oper Berlin
So 4. Oktober 2020 um 16 h
Do 8. Oktober 2020 um 17 h
So 11. Oktober 2020 um 16 h
Fr 13. November 2020 um 17 h
So 15. November 2020 um 16 h

»Was treibst du, wenn dich niemand sieht?«, fragt Sebastian, der einzige Mann im Performance-Kollektiv She She Pop. Der Abend »Hexploitation« ist eine Versuchsanodnung, um den Zusammenhang von Körper, Kapitalismus und Klimakterium aufzudecken. Es geht um Alter, Schönheit und Scham – im Mikrokosmos und Makrokosmos. Der Abend beginnt mit einer Nacherzählung des Film Gaslight von 1944. Der weiblichen Hauptfigur wird etwas eingeredet. Narrative reden uns etwas ein, bis wir sie selbst glauben. Wer die Narrative bestimmt, bestimmst also das Denken. »Hexploitation« hinterfragt die Narrative von Jungendwahn und Faltenfreiheit. Wir erfahren, dass die WHO die Menopause als »climacteric syndrome« definiert, also als Krankheit einstuft. »Ich bin bereit für die Nahaufnahme!«, ruft Johanna. Aber die vermeintliche Nabelschau mit Menstruationsblutberechnung fordert vor allem auf zu einem kritischen Hinterfragen der aktuellen Narrative, etwa der pandemischen. Wir alle, Zuschauer und Performer, sitzen in der She She Pop Inszenierung aus Hitzewallung, Horrorfilm und Hexenküche und dürfen uns fragen, mit welchen viel größeren Narrativen wir täglich bespielt werden. Was also bestimmt unser Denken? In diesem Sinne ein wahrhaft enthüllender Abend. 

Hebbel am Ufer Berlin, HAU2 
Di 22. September 2020 
Mi 23. September 2020 
Do 24. September 2020 jeweils um 20 h 

Kampnagel Hamburg, K2 
Fr 30. Oktober 2020 um 20:30 h 
Sa 31. Oktober 2020 um 20:30 h 
So 1. November 2020 um 18 h 

Weitere Termine finden Sie hier.

»Was treibst du, wenn dich niemand sieht?«, fragt Sebastian, der einzige Mann im Performance-Kollektiv She She Pop. Der Abend »Hexploitation« ist eine Versuchsanodnung, um den Zusammenhang von Körper, Kapitalismus und Klimakterium aufzudecken. Es geht um Alter, Schönheit und Scham – im Mikrokosmos und Makrokosmos. Der Abend beginnt mit einer Nacherzählung des Film Gaslight von 1944. Der weiblichen Hauptfigur wird etwas eingeredet. Narrative reden uns etwas ein, bis wir sie selbst glauben. Wer die Narrative bestimmt, bestimmst also das Denken. »Hexploitation« hinterfragt die Narrative von Jungendwahn und Faltenfreiheit. Wir erfahren, dass die WHO die Menopause als »climacteric syndrome« definiert, also als Krankheit einstuft. »Ich bin bereit für die Nahaufnahme!«, ruft Johanna. Aber die vermeintliche Nabelschau mit Menstruationsblutberechnung fordert vor allem auf zu einem kritischen Hinterfragen der aktuellen Narrative, etwa der pandemischen. Wir alle, Zuschauer und Performer, sitzen in der She She Pop Inszenierung aus Hitzewallung, Horrorfilm und Hexenküche und dürfen uns fragen, mit welchen viel größeren Narrativen wir täglich bespielt werden. Was also bestimmt unser Denken? In diesem Sinne ein wahrhaft enthüllender Abend. 

Hebbel am Ufer Berlin, HAU2 
Di 22. September 2020 
Mi 23. September 2020 
Do 24. September 2020 jeweils um 20 h 

Kampnagel Hamburg, K2 
Fr 30. Oktober 2020 um 20:30 h 
Sa 31. Oktober 2020 um 20:30 h 
So 1. November 2020 um 18 h 

Weitere Termine finden Sie hier.

Das Dunkle. Sie bringt es ans Licht: Judith, die Ermittlerin, und Katie Mitchell, die Regisseurin. Das dunkle Geheimnis des Herzog Blaubart, der Mann, durch dessen Unterbewusstsein das Psychodrama führt. Ein Mann, der durch stetiges Bitten Judiths Tür um Türe öffnet. Herausgekommen ist ein fabelhafter Doppelabend mit Musik von Béla Bartók. Bei dem geht es weit ruhiger zu auf der Bühne der Bayerischen Staatsoper, als man das von Katie Mitchell kennt: Die Film-Ouvertüre entsteht nicht live, sie wurde vorproduziert. Auch der zweite Teil ohne Kameras; eine naturalistische Märchenerzählung, albtraumhaft mit melodramatischem Ende. Mitchell schafft jedoch etwas von ihrer typischen Erzählweise formell umzusetzen: Die Szenen ziehen praktisch am Publikum vorbei. Sieben Räume mit den sieben Türen bewegen sich von rechts nach links als würde man einen Filmstreifen gegen das Licht halten. Damit bringt die Regisseurin den Symbolismus der Blaubart Sage kongenial mit dem Impressionistischen von Béla Bartóks Musik zusammen: Meine Erinnerungen sehen mich. Der Abend ist ein Sieg der Frauen, auch wenn es zu Beginn noch nicht so aussieht. Am Pult leuchtet Oksana Lyniv, Nina Stemme als Judith, die Blaubart führt ohne dass er das merkt. Damit gelingt Judith die Opfer-Täter-Umkehr, die Mitchell inszeniert. Der Abend erzählt aber auch von Paardynamik, Liebe als Ware und der Unterschiedlichkeit von Männern und Frauen. Die Bayerische Staatsoper hat mit Nina Stemme (Judith) und John Lundgren (Blaubart) zwei Weltstars für Bartóks einzige Oper gewonnen. Die beiden singen oft zusammen und bringen, neben den stimmlichen Dimensionen, besonders eine darstellerische Tiefe in die Handlung, die sie zu einer eine Idealbesetzung macht. Die Münchner goutierten das mit langem Applaus. 

Bayerische Staatsoper München 
So 9. Februar 2020 um 18 h 
Do 13 Februar 2020 um 19 h 
So 16. Februar 2020 um 18 h 
Sa 27. Juni 2020 um 18 h 
Mo 29. Juni 2020 um 19 h

 

Das Dunkle. Sie bringt es ans Licht: Judith, die Ermittlerin, und Katie Mitchell, die Regisseurin. Das dunkle Geheimnis des Herzog Blaubart, der Mann, durch dessen Unterbewusstsein das Psychodrama führt. Ein Mann, der durch stetiges Bitten Judiths Tür um Türe öffnet. Herausgekommen ist ein fabelhafter Doppelabend mit Musik von Béla Bartók. Bei dem geht es weit ruhiger zu auf der Bühne der Bayerischen Staatsoper, als man das von Katie Mitchell kennt: Die Film-Ouvertüre entsteht nicht live, sie wurde vorproduziert. Auch der zweite Teil ohne Kameras; eine naturalistische Märchenerzählung, albtraumhaft mit melodramatischem Ende. Mitchell schafft jedoch etwas von ihrer typischen Erzählweise formell umzusetzen: Die Szenen ziehen praktisch am Publikum vorbei. Sieben Räume mit den sieben Türen bewegen sich von rechts nach links als würde man einen Filmstreifen gegen das Licht halten. Damit bringt die Regisseurin den Symbolismus der Blaubart Sage kongenial mit dem Impressionistischen von Béla Bartóks Musik zusammen: Meine Erinnerungen sehen mich. Der Abend ist ein Sieg der Frauen, auch wenn es zu Beginn noch nicht so aussieht. Am Pult leuchtet Oksana Lyniv, Nina Stemme als Judith, die Blaubart führt ohne dass er das merkt. Damit gelingt Judith die Opfer-Täter-Umkehr, die Mitchell inszeniert. Der Abend erzählt aber auch von Paardynamik, Liebe als Ware und der Unterschiedlichkeit von Männern und Frauen. Die Bayerische Staatsoper hat mit Nina Stemme (Judith) und John Lundgren (Blaubart) zwei Weltstars für Bartóks einzige Oper gewonnen. Die beiden singen oft zusammen und bringen, neben den stimmlichen Dimensionen, besonders eine darstellerische Tiefe in die Handlung, die sie zu einer eine Idealbesetzung macht. Die Münchner goutierten das mit langem Applaus. 

Bayerische Staatsoper München 
So 9. Februar 2020 um 18 h 
Do 13 Februar 2020 um 19 h 
So 16. Februar 2020 um 18 h 
Sa 27. Juni 2020 um 18 h 
Mo 29. Juni 2020 um 19 h

 

»Was ist Ihr Theatermoment?« fragt Sebastian Bark ins Publikum. »Schließen Sie die Augen und besuchen Sie den Augenblick, der Sie bewegt hat.« Nach diesen magischen Momenten suchen sie zwei Stunden lang: She She Pop und Gäste fächern in ihrer neuesten Produktion einen Kanon aus Theatererlebnissen auf, von Jérôme Bel bis Christoph Schlingensief.

Sieben Performerinnen und Performer stecken in Overalls mit lebensgroßen Kunstikonen. Sie »verkörpern« Valie Export, Marina Abramović, Yoko Ono, Joseph Beuys, Yves Klein. Auch das Kostümbild versteht sich als Kanon.

Es geht in »Kanon« aber nicht um die Alternativen zum bildungsbürgerlichen Sprechtheater, vielmehr entwickelt der Abend immer dann seine Kraft, wenn die Spieler teilen, was sie wirklich in Bewegung gebracht hat, wenn sie sich trauen die Berührungspunkte offen zu legen. Dann wird aus dem Zeigen ein Teilen, und im Besten Sinne des Postdramatischen entsteht in diesem Moment eine Gemeinschaft im Theaterraum: aus Akteuren und Publikum im Hier und Jetzt.

Fabelhaft gelingt das Brigitte Cuvelier, die »Mörder Woyzeck« von Johann Kresnik aus dem Jahr 1987 nacherzählt, während die Anderen auf der Bühne versuchen die Szene nachzustellen. Warum dieser Moment für sie lebensverändernd war, lässt sie uns miterleben und mitfühlen.

Eine Hymne an die flüchtige Kunstform des Performativen. The Show Must Go On.

Hebbel am Ufer, Berlin, HAU 2
Sa 23. November 2019 um 21 h
So 24. November 2019 um 21 h
Mo 25. November 2019 um 20 h
Di 26. November 2019 um 20 h
Do 12. März 2020 um 19 h
Fr 13. März 2020 um 19 h
Sa 14. März 2020 um 19 h

Mousonturm, Frankfurt am Main
Do 23. Januar 2020 jeweils 20 h
Fr 24. Januar 2020 jeweils 20 h
Sa 25. Januar 2020 jeweils 20 h

»Was ist Ihr Theatermoment?« fragt Sebastian Bark ins Publikum. »Schließen Sie die Augen und besuchen Sie den Augenblick, der Sie bewegt hat.« Nach diesen magischen Momenten suchen sie zwei Stunden lang: She She Pop und Gäste fächern in ihrer neuesten Produktion einen Kanon aus Theatererlebnissen auf, von Jérôme Bel bis Christoph Schlingensief.

Sieben Performerinnen und Performer stecken in Overalls mit lebensgroßen Kunstikonen. Sie »verkörpern« Valie Export, Marina Abramović, Yoko Ono, Joseph Beuys, Yves Klein. Auch das Kostümbild versteht sich als Kanon.

Es geht in »Kanon« aber nicht um die Alternativen zum bildungsbürgerlichen Sprechtheater, vielmehr entwickelt der Abend immer dann seine Kraft, wenn die Spieler teilen, was sie wirklich in Bewegung gebracht hat, wenn sie sich trauen die Berührungspunkte offen zu legen. Dann wird aus dem Zeigen ein Teilen, und im Besten Sinne des Postdramatischen entsteht in diesem Moment eine Gemeinschaft im Theaterraum: aus Akteuren und Publikum im Hier und Jetzt.

Fabelhaft gelingt das Brigitte Cuvelier, die »Mörder Woyzeck« von Johann Kresnik aus dem Jahr 1987 nacherzählt, während die Anderen auf der Bühne versuchen die Szene nachzustellen. Warum dieser Moment für sie lebensverändernd war, lässt sie uns miterleben und mitfühlen.

Eine Hymne an die flüchtige Kunstform des Performativen. The Show Must Go On.

Hebbel am Ufer, Berlin, HAU 2
Sa 23. November 2019 um 21 h
So 24. November 2019 um 21 h
Mo 25. November 2019 um 20 h
Di 26. November 2019 um 20 h
Do 12. März 2020 um 19 h
Fr 13. März 2020 um 19 h
Sa 14. März 2020 um 19 h

Mousonturm, Frankfurt am Main
Do 23. Januar 2020 jeweils 20 h
Fr 24. Januar 2020 jeweils 20 h
Sa 25. Januar 2020 jeweils 20 h

Was passiert, wenn wir uns mit dem Rhythmus des Planeten verbinden? Und wie erreichen wir die höchste Verbundenheit allen Seins? Der Filmemacher Erwin Wagenhofer lässt uns eintauchen in die Welt der Musik, der Natur und der Liebe: Er lässt uns teilhaben an seiner Spurensuche eines gelingenden Lebens. Wir sehen Frauen ohne Schulbildung, die Solaranlagen für ihre Dörfer bauen, Ödland, das wieder zum Blühen kommt, Menschen, die ihrem Herzen folgen. Anders als in seinen Vorgänger-Filmen legt Erwin Wagenhofer nicht den Finger in die Wunde. Vielmehr steckt er uns an mit vibrierenden Positivbeispielen, die uns zeigen, dass wir etwas bewegen können, wenn wir uns die Freiheit nehmen. Dörfer, Inseln, Kontinente: dort treffen wir Erich und Barbara Graf, Bunker Roy, Kenny Werner, Erwin Thoma – und den Dalai Lama. Wir lernen, wie man energie-autarke Holzhäuser bauen kann, wenn man auf den Mond hört, wie Frieden entsteht, wenn wir zusammenarbeiten und warum Frauen die Weltveränderer sind. In über fünf Jahren sind 400 Stunden Material entstanden, die Wagenhofer mit seinem Team in 14 Monaten zu einem zweistündigen Opus destilliert. Der Film lockt uns ins Freie, erklärt wenig, lässt Raum. Mehr Meditation, weniger Dokumentarfilm. Große Ermutigung, großes Kino. Gehen und Sehen. 

But Beautiful auf der großen Leinwand: 
Hamburg, Abaton Kino 
Fr 15. November 2919 um 17:30 h mit Erwin Wagenhofer und Sabine Kriechbaum 

Leipzig, Passage Kinos 
So 17. November um 13 h mit Erwin Wagenhofer und Sabine Kriechbaum 

Zürich, Kosmos Kino 
Di 19. November um 18 h Vorpremiere mit Erwin Wagenhofer und Sabine Kriechbaum 

Weitere Termine mit den Machern Kinofinder Deutschland Kinofinder Österreich Kinofinder Schweiz 

Was passiert, wenn wir uns mit dem Rhythmus des Planeten verbinden? Und wie erreichen wir die höchste Verbundenheit allen Seins? Der Filmemacher Erwin Wagenhofer lässt uns eintauchen in die Welt der Musik, der Natur und der Liebe: Er lässt uns teilhaben an seiner Spurensuche eines gelingenden Lebens. Wir sehen Frauen ohne Schulbildung, die Solaranlagen für ihre Dörfer bauen, Ödland, das wieder zum Blühen kommt, Menschen, die ihrem Herzen folgen. Anders als in seinen Vorgänger-Filmen legt Erwin Wagenhofer nicht den Finger in die Wunde. Vielmehr steckt er uns an mit vibrierenden Positivbeispielen, die uns zeigen, dass wir etwas bewegen können, wenn wir uns die Freiheit nehmen. Dörfer, Inseln, Kontinente: dort treffen wir Erich und Barbara Graf, Bunker Roy, Kenny Werner, Erwin Thoma – und den Dalai Lama. Wir lernen, wie man energie-autarke Holzhäuser bauen kann, wenn man auf den Mond hört, wie Frieden entsteht, wenn wir zusammenarbeiten und warum Frauen die Weltveränderer sind. In über fünf Jahren sind 400 Stunden Material entstanden, die Wagenhofer mit seinem Team in 14 Monaten zu einem zweistündigen Opus destilliert. Der Film lockt uns ins Freie, erklärt wenig, lässt Raum. Mehr Meditation, weniger Dokumentarfilm. Große Ermutigung, großes Kino. Gehen und Sehen. 

But Beautiful auf der großen Leinwand: 
Hamburg, Abaton Kino 
Fr 15. November 2919 um 17:30 h mit Erwin Wagenhofer und Sabine Kriechbaum 

Leipzig, Passage Kinos 
So 17. November um 13 h mit Erwin Wagenhofer und Sabine Kriechbaum 

Zürich, Kosmos Kino 
Di 19. November um 18 h Vorpremiere mit Erwin Wagenhofer und Sabine Kriechbaum 

Weitere Termine mit den Machern Kinofinder Deutschland Kinofinder Österreich Kinofinder Schweiz 

Die Schichten von Wolfgang Amadeus Mozarts Komposition gehen direkt vom ersten Ton an unter die Haut – und das ist Adam Fischers musikalischer Leitung zu verdanken. Don Giovanni gehört zu Adam Fischers »Herzstücken«. Das sieht man seinem Dirigat an. Die drei Stunden Oper absolviert er hinreißend feinsinnig, ganz ohne Partitur. Der Dirigent wird Teil der Inszenierung, für die Zuschauer sichbar, indem Adam Fischer aus dem Orchestergraben herausragt. Die Hamburgische Staatsoper bringt die Wiener Fassungen von Mozarts Oper Don Giovanni zur Aufführung und komplettiert damit ihre Mozart/Da Ponte-Trilogie. Selten sieht man eine so durchgängige Ensembleleistung hochkarätiger Stimmen, die sich mit Spielfreude in die drehenden Bühnenbauten hineinwerfen. Kyle Ketelsen liefert mit seinem Leporello ein absolut sängerisches und spielerisches Glanzlicht. Mit seiner Figurenführung schafft es Jan Bosse Mozarts musikalische Schichten differenziert aufscheinen zu lassen. Andrè Schuens Don Giovanni offenbart eine tiefe Sehnsucht nach Liebe. Allein seine funkenschlagende Begierde hält ihn davon ab zur wahren Liebe vorzudringen. Trotz teurer Feste und Champagner Arie bleibt Don Giovanni einsam bis zum Ende der Oper, seiner Höllenfahrt. Große Oper. Sehenswert. 

Staatsoper Hamburg 
Mi 23. Oktober 2019 um 19 h 
Sa 26. Oktober 2019 um 19 h 
Di 29. Oktober 2019 um 19 h 
So 3. November 2019 um 19 h 
Mi 6. November 2019 um 19 h 
Sa 9. November 2019 um 19 h
 

Die Schichten von Wolfgang Amadeus Mozarts Komposition gehen direkt vom ersten Ton an unter die Haut – und das ist Adam Fischers musikalischer Leitung zu verdanken. Don Giovanni gehört zu Adam Fischers »Herzstücken«. Das sieht man seinem Dirigat an. Die drei Stunden Oper absolviert er hinreißend feinsinnig, ganz ohne Partitur. Der Dirigent wird Teil der Inszenierung, für die Zuschauer sichbar, indem Adam Fischer aus dem Orchestergraben herausragt. Die Hamburgische Staatsoper bringt die Wiener Fassungen von Mozarts Oper Don Giovanni zur Aufführung und komplettiert damit ihre Mozart/Da Ponte-Trilogie. Selten sieht man eine so durchgängige Ensembleleistung hochkarätiger Stimmen, die sich mit Spielfreude in die drehenden Bühnenbauten hineinwerfen. Kyle Ketelsen liefert mit seinem Leporello ein absolut sängerisches und spielerisches Glanzlicht. Mit seiner Figurenführung schafft es Jan Bosse Mozarts musikalische Schichten differenziert aufscheinen zu lassen. Andrè Schuens Don Giovanni offenbart eine tiefe Sehnsucht nach Liebe. Allein seine funkenschlagende Begierde hält ihn davon ab zur wahren Liebe vorzudringen. Trotz teurer Feste und Champagner Arie bleibt Don Giovanni einsam bis zum Ende der Oper, seiner Höllenfahrt. Große Oper. Sehenswert. 

Staatsoper Hamburg 
Mi 23. Oktober 2019 um 19 h 
Sa 26. Oktober 2019 um 19 h 
Di 29. Oktober 2019 um 19 h 
So 3. November 2019 um 19 h 
Mi 6. November 2019 um 19 h 
Sa 9. November 2019 um 19 h
 

Jérôme Bel setzt seine persönliche Enzyklopädie des Tanzes fort. Diesmal mit einer Toten: Isadora Duncan (1877–1927). Die Autobiografie der Tanzikone, die den Tanz revolutioniert, hatte Jérôme Bel so inspiriert, dass er ein Stück über die unabhängige Frau machen wollte. Er fand die Tänzerin Elizabeth Schwartz, die von einer der Adoptivtöchter, der Isadorables, die überlieferten Solotänze weitergegeben bekam. Der Abend besticht mit seiner klaren Struktur. Die Zuschauer sehen jede Choreografie viermal: beginnend mit der Musik allein (von Schubert, Chopin und Skrjabin), dann Klavier und Tanz, dann die Bewegung mit Erläuterungen und ohne Musik und noch mal der Tanz mit Musik. Diese analytische Sezierung der Arbeit von Isadora Duncan lässt eine unerwartete Spannung entstehen und lässt einen aufmerksam werden für die filigranen Details, die eng mit der Biografie von Isadora Duncan verwoben sind. Ein gelungenes Stück Konzeptkunst für die Bühne, eine Lecture Performance zum Mitmachen. 

Tanz im August, Deutsches Theater Berlin 
So 18.8.2019 um 19 h 

Paris, Centre Pompidou, Festival Automne 
3.–5. October 3 to October 5 November 28 to November 30 

Aubervilliers (France), La Commune centre dramatique national d'Aubervilliers 
28.–30. November 2019

Jérôme Bel setzt seine persönliche Enzyklopädie des Tanzes fort. Diesmal mit einer Toten: Isadora Duncan (1877–1927). Die Autobiografie der Tanzikone, die den Tanz revolutioniert, hatte Jérôme Bel so inspiriert, dass er ein Stück über die unabhängige Frau machen wollte. Er fand die Tänzerin Elizabeth Schwartz, die von einer der Adoptivtöchter, der Isadorables, die überlieferten Solotänze weitergegeben bekam. Der Abend besticht mit seiner klaren Struktur. Die Zuschauer sehen jede Choreografie viermal: beginnend mit der Musik allein (von Schubert, Chopin und Skrjabin), dann Klavier und Tanz, dann die Bewegung mit Erläuterungen und ohne Musik und noch mal der Tanz mit Musik. Diese analytische Sezierung der Arbeit von Isadora Duncan lässt eine unerwartete Spannung entstehen und lässt einen aufmerksam werden für die filigranen Details, die eng mit der Biografie von Isadora Duncan verwoben sind. Ein gelungenes Stück Konzeptkunst für die Bühne, eine Lecture Performance zum Mitmachen. 

Tanz im August, Deutsches Theater Berlin 
So 18.8.2019 um 19 h 

Paris, Centre Pompidou, Festival Automne 
3.–5. October 3 to October 5 November 28 to November 30 

Aubervilliers (France), La Commune centre dramatique national d'Aubervilliers 
28.–30. November 2019

Dieser Tanzabend ist nichts weniger als mega. Wer mit so einem Titel antritt, wie die Gauthier Dance/ /Dance Company legt die Latte auf Toplevel. Und Eric Gauthier weiß, was er tut. Die vier strahlendsten Choreographen aus Israel, Hofesh Shechter, Gai Behar und Sharon Eyal, Ohad Naharin, haben ihre gefragtesten Stücke mit der Company aus Stuttgart einstudiert. Der Abend löst ein, was er verspricht und katapultiert die Gauthier Dance/ /Dance Company damit in die Weltspitze. Weichheit und Wildheit bringt Hofesh Shechter in »Uprising« zusammen. Nach dem raufwütigen Männerstück setzen Gai Behar und Sharon Eyal mit sechs Tänzerinnen einen radikalen Kontrapunkt: »Killer Pig« könnte zeitgenössischer nicht sein. »Minus 16« von Ohad Naharin bringt das Publikum zum Kochen. Gerade im Zusammenhang entwickeln die drei Stücke eine Dynamik mit maximaler Sprengkraft und niemand verlässt unbewegt den Saal. Mega Applaus. 

Haus der Berliner Festspiele, Berlin 
Fr 12. April 2019 um 20 h 
Sa 13. April 2019 um 20 h 
So 14. April 2919 um 20 h Restkarten an der Abendkasse 

Theater Schweinfurt 
Fr 3. Mai und Sa 4. Mai 2019 

Tollhaus Karlsruhe 
Di 7. und Mi 8. Mai 2019 

Grand Théâtre de la Ville de Luxembourg 
Di 21. Mai 2019 um 20 h

 

Dieser Tanzabend ist nichts weniger als mega. Wer mit so einem Titel antritt, wie die Gauthier Dance/ /Dance Company legt die Latte auf Toplevel. Und Eric Gauthier weiß, was er tut. Die vier strahlendsten Choreographen aus Israel, Hofesh Shechter, Gai Behar und Sharon Eyal, Ohad Naharin, haben ihre gefragtesten Stücke mit der Company aus Stuttgart einstudiert. Der Abend löst ein, was er verspricht und katapultiert die Gauthier Dance/ /Dance Company damit in die Weltspitze. Weichheit und Wildheit bringt Hofesh Shechter in »Uprising« zusammen. Nach dem raufwütigen Männerstück setzen Gai Behar und Sharon Eyal mit sechs Tänzerinnen einen radikalen Kontrapunkt: »Killer Pig« könnte zeitgenössischer nicht sein. »Minus 16« von Ohad Naharin bringt das Publikum zum Kochen. Gerade im Zusammenhang entwickeln die drei Stücke eine Dynamik mit maximaler Sprengkraft und niemand verlässt unbewegt den Saal. Mega Applaus. 

Haus der Berliner Festspiele, Berlin 
Fr 12. April 2019 um 20 h 
Sa 13. April 2019 um 20 h 
So 14. April 2919 um 20 h Restkarten an der Abendkasse 

Theater Schweinfurt 
Fr 3. Mai und Sa 4. Mai 2019 

Tollhaus Karlsruhe 
Di 7. und Mi 8. Mai 2019 

Grand Théâtre de la Ville de Luxembourg 
Di 21. Mai 2019 um 20 h

 

»The mind, once stretched by a new idea, never returns to its original dimensions.« 
— Ralph Waldo Emerson

»The mind, once stretched by a new idea, never returns to its original dimensions.« 
— Ralph Waldo Emerson

It’s showtime: Das Stück beginnt mit einer der »36 Fragen« aus Arthur Arons soziologischem Experiment von 1997. Es hätte auch gut Frage Nr. 24 sein können: »Was denkst du über die Beziehung zu deiner Mutter?» Um eine Mutter-Tochter Beziehung geht es in »Kluge Gefühle«, um Verletzlichkeit, Einsamkeit, Gewalt, Tod und Tabu. Es ist die Geschichte der Autorin Maryam Zaree. Im Stück heißt sie Tara, gespielt von Eva Bay. Die eigentlich zentrale Figur aber ist die Mutter Shahla: Anke Engelke lässt sie bei ihrer Aussage vor dem Tribunal in Den Haag ganz pur und gerade vortragen – ohne Pathos, dafür mit viel Menschlichkeit. Es gelingt Anke Engelke die wenigen Sätze über die drastischen Ereignisse in Evin, dem meinst gefürchtetsten Foltergefängnis des Iran, fühlbar zu machen. Sie stellt sich furchtlos zur Verfügung und lässt das wirken, was sie sagt. Das schafft einen Raum für geteilte Erfahrung. 

»Kluge Gefühle« ist Maryam Zaree erstes Theaterstück, Nils Bormanns erste Regiearbeit und Anke Engelkes erste dramatische Theaterrolle. Anders als die Uraufführung beim Heidelberger Stückemarkt im April diesen Jahres verortet das Regie/Dramaturgen-Team Bormann/Zaree die Inszenierung zwischen einer Sitcom a la »Linie 1« und einem nüchternen Doku-Drama. Trotz manch stereotyper Phrasen und inszenatorischer Mutlücken ein klug gebauter Erstling und eine Anke Engelke, die man gesehen haben muss. 

HAU 3, Hebbel am Ufer, Berlin 
Mi 13. Juni 2018 um 20 h 
Do 14. Juni 2018 um 20 h 

 

It’s showtime: Das Stück beginnt mit einer der »36 Fragen« aus Arthur Arons soziologischem Experiment von 1997. Es hätte auch gut Frage Nr. 24 sein können: »Was denkst du über die Beziehung zu deiner Mutter?» Um eine Mutter-Tochter Beziehung geht es in »Kluge Gefühle«, um Verletzlichkeit, Einsamkeit, Gewalt, Tod und Tabu. Es ist die Geschichte der Autorin Maryam Zaree. Im Stück heißt sie Tara, gespielt von Eva Bay. Die eigentlich zentrale Figur aber ist die Mutter Shahla: Anke Engelke lässt sie bei ihrer Aussage vor dem Tribunal in Den Haag ganz pur und gerade vortragen – ohne Pathos, dafür mit viel Menschlichkeit. Es gelingt Anke Engelke die wenigen Sätze über die drastischen Ereignisse in Evin, dem meinst gefürchtetsten Foltergefängnis des Iran, fühlbar zu machen. Sie stellt sich furchtlos zur Verfügung und lässt das wirken, was sie sagt. Das schafft einen Raum für geteilte Erfahrung. 

»Kluge Gefühle« ist Maryam Zaree erstes Theaterstück, Nils Bormanns erste Regiearbeit und Anke Engelkes erste dramatische Theaterrolle. Anders als die Uraufführung beim Heidelberger Stückemarkt im April diesen Jahres verortet das Regie/Dramaturgen-Team Bormann/Zaree die Inszenierung zwischen einer Sitcom a la »Linie 1« und einem nüchternen Doku-Drama. Trotz manch stereotyper Phrasen und inszenatorischer Mutlücken ein klug gebauter Erstling und eine Anke Engelke, die man gesehen haben muss. 

HAU 3, Hebbel am Ufer, Berlin 
Mi 13. Juni 2018 um 20 h 
Do 14. Juni 2018 um 20 h 

 

Als sein Vater stirbt, reist Didier Eribon zum ersten Mal nach Jahrzehnten der Abwesenheit in seine Heimatstadt Reims. Eribon hat ein Buch darüber geschrieben, viele Interviews gegeben. Thomas Ostermeier hat zusammen mit Sébastien Dupouey einen Dokumentarfilm dazu gedreht, der im Stück ein zentrales Element bildet. Der Autor Eribon erzählt seine persönliche Geschichte und fragt, warum ein Großteil des kommunistisch wählenden Milieus, dem er entstammt, inzwischen zum Front National übergelaufen ist. Es gibt Regionen, in denen der FN sechzig, siebzig Prozent der Stimmen bekommt. Die Arbeiter fühlen sich verraten und verkauft. Sie kommen nicht vor. Niemand sieht sie. Was findet man also an diesem Theaterabend, was die Medien nicht schon ausführlich verhandelt hätten? Ostermeier lässt in weiten Teilen Nina Hoss das Voice-over zu den Filmbildern im Hintergrund live einsprechen. Das Tonstudio-Bühnenbild macht die Anordnung aber noch nicht zum Theaterstück und so gibt es in der zweiten Hälfte Dialoge zwischen der Figur des Dokumentarfilmregisseurs, dem Tontechniker und Nina Hoss, die Nina Hoss spielt. Deindustrialisierung, Neoliberalismus, schwuler Autor, das sind bekannte Zutaten und keine »Breaking News«. Einziger irritierender Moment, als Nina Hoss weiter mit vierter Wand spielt und zeitgleich die beiden anderen Darsteller mit dem Publikum interagieren: Es gibt Migranten-Rap zum Mitklatschen. Alles Theater? 

Als der Eribon Text fertig gesprochen ist bringt Nina Hoss ihren Vater ins Spiel. Und das ist das hoffnungsfrohe Surplus. Sie spielt, dass sie sich dazu überreden lässt die Geschichte von Willi Hoss zu erzählen (der Kommunist, Grünenmitgründer und Umweltaktivist ist ihr Vater im echten Leben). Man glaubt ihr das Zögern nicht. Vielleicht, weil die Figur Nina Hoss in diesen letzten Minuten des Stückes sich mit Willis Tochter konfrontiert sieht. Ein atmosphärisch gut gebauter Abend – und doch wenig überraschend. 

Schaubühne Berlin 
Di 8. Mai 2018 um 20 h 
Mi 9. Mai 2018 um 20 h 
Do 10. Mai 2018 um 20 h 
Fr 11. Mai .2018 um 20 h 
Sa 12. Mai .2018 um 16 h 
Di 15. Mai 2018 um 20 h, englisch 
Mi 16. Mai 2018 um 20 h, englisch 

 

Als sein Vater stirbt, reist Didier Eribon zum ersten Mal nach Jahrzehnten der Abwesenheit in seine Heimatstadt Reims. Eribon hat ein Buch darüber geschrieben, viele Interviews gegeben. Thomas Ostermeier hat zusammen mit Sébastien Dupouey einen Dokumentarfilm dazu gedreht, der im Stück ein zentrales Element bildet. Der Autor Eribon erzählt seine persönliche Geschichte und fragt, warum ein Großteil des kommunistisch wählenden Milieus, dem er entstammt, inzwischen zum Front National übergelaufen ist. Es gibt Regionen, in denen der FN sechzig, siebzig Prozent der Stimmen bekommt. Die Arbeiter fühlen sich verraten und verkauft. Sie kommen nicht vor. Niemand sieht sie. Was findet man also an diesem Theaterabend, was die Medien nicht schon ausführlich verhandelt hätten? Ostermeier lässt in weiten Teilen Nina Hoss das Voice-over zu den Filmbildern im Hintergrund live einsprechen. Das Tonstudio-Bühnenbild macht die Anordnung aber noch nicht zum Theaterstück und so gibt es in der zweiten Hälfte Dialoge zwischen der Figur des Dokumentarfilmregisseurs, dem Tontechniker und Nina Hoss, die Nina Hoss spielt. Deindustrialisierung, Neoliberalismus, schwuler Autor, das sind bekannte Zutaten und keine »Breaking News«. Einziger irritierender Moment, als Nina Hoss weiter mit vierter Wand spielt und zeitgleich die beiden anderen Darsteller mit dem Publikum interagieren: Es gibt Migranten-Rap zum Mitklatschen. Alles Theater? 

Als der Eribon Text fertig gesprochen ist bringt Nina Hoss ihren Vater ins Spiel. Und das ist das hoffnungsfrohe Surplus. Sie spielt, dass sie sich dazu überreden lässt die Geschichte von Willi Hoss zu erzählen (der Kommunist, Grünenmitgründer und Umweltaktivist ist ihr Vater im echten Leben). Man glaubt ihr das Zögern nicht. Vielleicht, weil die Figur Nina Hoss in diesen letzten Minuten des Stückes sich mit Willis Tochter konfrontiert sieht. Ein atmosphärisch gut gebauter Abend – und doch wenig überraschend. 

Schaubühne Berlin 
Di 8. Mai 2018 um 20 h 
Mi 9. Mai 2018 um 20 h 
Do 10. Mai 2018 um 20 h 
Fr 11. Mai .2018 um 20 h 
Sa 12. Mai .2018 um 16 h 
Di 15. Mai 2018 um 20 h, englisch 
Mi 16. Mai 2018 um 20 h, englisch 

 

Ein Rausch, ein Fest, ein Faust. Faust nach Castorf. Sieben Stunden. Text-Konglomerat aus Goethe, Zola, Fanon, Sartre, Celan. Und schnell und unbegreiflich schnelle wechseln magische Momente mit tiefem schauervollen Verwandlungswust. »Kunst braucht Wahnsinn«, sagst Castorf und bietet alles auf, was er und seine Spieler und Künstler in den letzten 25 Jahre trainiert haben. Martin Wuttkes Faust lässt einen staunen – mit wie viel Selbstverständlichkeit er das alles sein kann: alt, jung, epileptisch, sehnend, fühlend, abgründig. Marc Hosemanns Mephisto, der unruhige Pudel, treibt Faust zum globalen Unternehmertum, Egotrip XXL. Alexander Scheer lässt es krachen als Chris Dercon, als Lord Byron, als Anaxagoras. Dem männlich verdrängenden Prinzip entgegen reitet Valery Tscheplanowa leuchtende Margarete, die ewig Weibliche. Da erscheint, wie das As aus dem Ärmel, Sophie Rois. Als Hexe singt und zaubert sie ganz in ihrem Element. Vom Feinsten. Auch die Bühnenmaschine aus Kamera- und Technikteam liefert Hollywood in Echtzeit. Zur Hölle! L’enfer! Algerienkrieg, Kolonialisierung, Holocaust, Pariser Metro Station Stalingrad. Man versteht nicht alle der uferlosen Assoziationen, Seitenhiebe, Anspielungen, Lachnummern, Durchhänger, Nebenfiguren. So sagt Monsieur Bordenave: »Was bedeutet es? Und wenn es nichts bedeutet, warum ist es dann so lang?« Zustimmendes Raunen im Zuschauerraum. Wer hat gewonnen? Nach sieben Stunden ist das egal. Brillant gespielt, volles Rohr, alles gegeben. Großes Welttheater. 

Berliner Festspiele 
Mo 7. Mai 2018 um 18 h 
Di 8. Mai 2018 um 18 h 

 

Ein Rausch, ein Fest, ein Faust. Faust nach Castorf. Sieben Stunden. Text-Konglomerat aus Goethe, Zola, Fanon, Sartre, Celan. Und schnell und unbegreiflich schnelle wechseln magische Momente mit tiefem schauervollen Verwandlungswust. »Kunst braucht Wahnsinn«, sagst Castorf und bietet alles auf, was er und seine Spieler und Künstler in den letzten 25 Jahre trainiert haben. Martin Wuttkes Faust lässt einen staunen – mit wie viel Selbstverständlichkeit er das alles sein kann: alt, jung, epileptisch, sehnend, fühlend, abgründig. Marc Hosemanns Mephisto, der unruhige Pudel, treibt Faust zum globalen Unternehmertum, Egotrip XXL. Alexander Scheer lässt es krachen als Chris Dercon, als Lord Byron, als Anaxagoras. Dem männlich verdrängenden Prinzip entgegen reitet Valery Tscheplanowa leuchtende Margarete, die ewig Weibliche. Da erscheint, wie das As aus dem Ärmel, Sophie Rois. Als Hexe singt und zaubert sie ganz in ihrem Element. Vom Feinsten. Auch die Bühnenmaschine aus Kamera- und Technikteam liefert Hollywood in Echtzeit. Zur Hölle! L’enfer! Algerienkrieg, Kolonialisierung, Holocaust, Pariser Metro Station Stalingrad. Man versteht nicht alle der uferlosen Assoziationen, Seitenhiebe, Anspielungen, Lachnummern, Durchhänger, Nebenfiguren. So sagt Monsieur Bordenave: »Was bedeutet es? Und wenn es nichts bedeutet, warum ist es dann so lang?« Zustimmendes Raunen im Zuschauerraum. Wer hat gewonnen? Nach sieben Stunden ist das egal. Brillant gespielt, volles Rohr, alles gegeben. Großes Welttheater. 

Berliner Festspiele 
Mo 7. Mai 2018 um 18 h 
Di 8. Mai 2018 um 18 h 

 

Nichts ist in diesen Zeiten mehr sicher, nicht mal die Null. Im neuen Stück von Herbert Fritsch loten, suchen, verlieren sich neun Spieler im »groud zero« der ausgeräumten Schaubühne. Die Null ist nicht Nichts, also muss da etwas zu finden sein. So gibt es im ersten Teil eine Ver-Suchs-Anordnung mit gesprochenen und gesampelten Versatzstücken, wie aus einem Probenmittschnitt, aufgehängt als schwebendes Verfahren. Ist man beim Tanztee mit zwei Schritt nach vorn und zwei zurück wieder bei Null? Ist die Mitte auch eine Richtung? Der Stillstand eine schwarze Null? Ist es nichtssagend, wenn man nichts sagt? Und nähert man sich so der Null? Es wird gependelt, geschritten, getanzt, durchwandert, umrundet, geträllert, geblasen, gestapelt (hoch und tief), gerutscht, geleert, gefüllt, bevölkert. 

Am Ende erfreut die Null-Nummern-Revue als eine Aneinanderreihung von Fingerübungen: mit leuchtenden Momenten, mit Längen, aber echte Stille als Nullpunkt trauen sie sich nicht. Zum Finale mündet die symphonische Extase auf Blechblasinstrumenten in einen Mensch-Maschinen-Tanz. Alles virtuos vorgeturnt, schadenfreudig überspannt und doch für den großen Wurf etwas flach gespielt. 

Schaubühne, Berlin 
Mo 26. März 2018 um 20:30 h 
Di 27. März 2018 um 20:30 h 
Mi 28. März 2018 um 20:30 h 
Fr 30. März 2018 um 20:30 h 
So 1. April 2018 um 20 h 
Mo 2. April 2018 um 20 h 
Fr 27. April 2018 um 20 h 
Sa 28. April 2018 um 20:30 h 
So 29. April 2018 um 20.30 h 
Mo 30. April 2018 um 20 h 
Di 1. Mai 2018 um 20 h 
Mi 2. Mai 2018 um 20 h
 

Nichts ist in diesen Zeiten mehr sicher, nicht mal die Null. Im neuen Stück von Herbert Fritsch loten, suchen, verlieren sich neun Spieler im »groud zero« der ausgeräumten Schaubühne. Die Null ist nicht Nichts, also muss da etwas zu finden sein. So gibt es im ersten Teil eine Ver-Suchs-Anordnung mit gesprochenen und gesampelten Versatzstücken, wie aus einem Probenmittschnitt, aufgehängt als schwebendes Verfahren. Ist man beim Tanztee mit zwei Schritt nach vorn und zwei zurück wieder bei Null? Ist die Mitte auch eine Richtung? Der Stillstand eine schwarze Null? Ist es nichtssagend, wenn man nichts sagt? Und nähert man sich so der Null? Es wird gependelt, geschritten, getanzt, durchwandert, umrundet, geträllert, geblasen, gestapelt (hoch und tief), gerutscht, geleert, gefüllt, bevölkert. 

Am Ende erfreut die Null-Nummern-Revue als eine Aneinanderreihung von Fingerübungen: mit leuchtenden Momenten, mit Längen, aber echte Stille als Nullpunkt trauen sie sich nicht. Zum Finale mündet die symphonische Extase auf Blechblasinstrumenten in einen Mensch-Maschinen-Tanz. Alles virtuos vorgeturnt, schadenfreudig überspannt und doch für den großen Wurf etwas flach gespielt. 

Schaubühne, Berlin 
Mo 26. März 2018 um 20:30 h 
Di 27. März 2018 um 20:30 h 
Mi 28. März 2018 um 20:30 h 
Fr 30. März 2018 um 20:30 h 
So 1. April 2018 um 20 h 
Mo 2. April 2018 um 20 h 
Fr 27. April 2018 um 20 h 
Sa 28. April 2018 um 20:30 h 
So 29. April 2018 um 20.30 h 
Mo 30. April 2018 um 20 h 
Di 1. Mai 2018 um 20 h 
Mi 2. Mai 2018 um 20 h
 

Ulrich Tukur und die Rhythmus Boys führen uns mit Ihrem neuen Programm durch die Nacht – es beginnt mit Wolfgang Borcherts Laternentraum: »Wenn ich tot bin, möchte ich immerhin so eine Laterne sein …«. Ulrich Tukur spricht so vertraut aus dem Bühnendunkel, als säße er neben einem auf der Bettkante. Und dann dreht das Quartett auf: mit Spielfreude, Eleganz, Witz, Swingmusik und deutschen Chansons aus den 1920 und 30er Jahren. Die Klassiker »Moonlight Serenade«, »Moonglow«, »Night and Day« unterbricht Ulrich Tukur mit abstrusen Geschichten über seine alten Freunde Cole Porter, Benny Goodman, Glenn Miller und Neil Amstrong (ja, den auch). In der zweiten Hälfte tauschen sie die tadellosen Anzüge gegen Pyjamas ein: Ulrich Mayer, Günter Märtens, und Kalle Mews geben zusammen mit dem Schauspieler Ulrich Tukur die Klang- und Schwingungserzeuger, dazwischen Gedichte und Geschichten, die sich bisweilen in mondähnliche Höhen versteigen. Es kommen allerlei Beerdigungen und Caravanen vor und so lernen wir, dass »Dream a little dream of me« schon 1931 geschrieben wurde oder die BVG in »Mit der letzten Straßenbahn« von 1943 vorkommt. An Musikalität und Unterhaltung ist die Reise zum Mond nicht zu überbieten. So schwingt und klingt der Abend aus: tosender Applaus. An Schlaf ist nicht zu denken. 

Theater am Kurfürstendamm, Berlin 
So 18.2.18 um 19 h 
Mo 19.2.18 um 20 h 

Scharoun Theater, Wolfsburg 
Do 22. Februar 2018 um 19:30 h 

Schauspielhaus Bochum 
Fr 23.2.2018 

Weitere Termine: 24.2.18 Leverkusen, Erholungshaus 25.2.18 Leverkusen, Erholungshaus 27.2.18 Oberhausen, Ebertbad 28.2.18 Oberhausen, Ebertbad 01.3.18 Dortmund, Konzerthaus 02.3.18 Bielefeld, Oetkerhalle 03.3.18 Hannover, Theater am Aegi 04.3.18 Hannover, Theater am Aegi 05.3. Nürnberg, Theater 07.3.18 München, Prinzregententheater 09.3.18 Freiburg, Theater 10.3.18 Friedrichshafen,Graf Zeppelin Haus 11.3.18 Heidelberg, Historische Stadthalle 12.3.18 Frankfurt, Alte Oper 13.3.18 Stuttgart, Theaterhaus 15.3.18 Karlsruhe, Tollhaus 16.3.18 Erfurt, Alte Oper 17.3.18 Dresden, Kulturpalast 18.3.18 Leipzig, Gewandhaus 19.3.18 Hamburg, Laeiszhalle 20.3.18 Hamburg, Laeiszhalle

Ulrich Tukur und die Rhythmus Boys führen uns mit Ihrem neuen Programm durch die Nacht – es beginnt mit Wolfgang Borcherts Laternentraum: »Wenn ich tot bin, möchte ich immerhin so eine Laterne sein …«. Ulrich Tukur spricht so vertraut aus dem Bühnendunkel, als säße er neben einem auf der Bettkante. Und dann dreht das Quartett auf: mit Spielfreude, Eleganz, Witz, Swingmusik und deutschen Chansons aus den 1920 und 30er Jahren. Die Klassiker »Moonlight Serenade«, »Moonglow«, »Night and Day« unterbricht Ulrich Tukur mit abstrusen Geschichten über seine alten Freunde Cole Porter, Benny Goodman, Glenn Miller und Neil Amstrong (ja, den auch). In der zweiten Hälfte tauschen sie die tadellosen Anzüge gegen Pyjamas ein: Ulrich Mayer, Günter Märtens, und Kalle Mews geben zusammen mit dem Schauspieler Ulrich Tukur die Klang- und Schwingungserzeuger, dazwischen Gedichte und Geschichten, die sich bisweilen in mondähnliche Höhen versteigen. Es kommen allerlei Beerdigungen und Caravanen vor und so lernen wir, dass »Dream a little dream of me« schon 1931 geschrieben wurde oder die BVG in »Mit der letzten Straßenbahn« von 1943 vorkommt. An Musikalität und Unterhaltung ist die Reise zum Mond nicht zu überbieten. So schwingt und klingt der Abend aus: tosender Applaus. An Schlaf ist nicht zu denken. 

Theater am Kurfürstendamm, Berlin 
So 18.2.18 um 19 h 
Mo 19.2.18 um 20 h 

Scharoun Theater, Wolfsburg 
Do 22. Februar 2018 um 19:30 h 

Schauspielhaus Bochum 
Fr 23.2.2018 

Weitere Termine: 24.2.18 Leverkusen, Erholungshaus 25.2.18 Leverkusen, Erholungshaus 27.2.18 Oberhausen, Ebertbad 28.2.18 Oberhausen, Ebertbad 01.3.18 Dortmund, Konzerthaus 02.3.18 Bielefeld, Oetkerhalle 03.3.18 Hannover, Theater am Aegi 04.3.18 Hannover, Theater am Aegi 05.3. Nürnberg, Theater 07.3.18 München, Prinzregententheater 09.3.18 Freiburg, Theater 10.3.18 Friedrichshafen,Graf Zeppelin Haus 11.3.18 Heidelberg, Historische Stadthalle 12.3.18 Frankfurt, Alte Oper 13.3.18 Stuttgart, Theaterhaus 15.3.18 Karlsruhe, Tollhaus 16.3.18 Erfurt, Alte Oper 17.3.18 Dresden, Kulturpalast 18.3.18 Leipzig, Gewandhaus 19.3.18 Hamburg, Laeiszhalle 20.3.18 Hamburg, Laeiszhalle